GENERE: Drammatico ANNO: 2015 REGIA: Vincenzo Marra SCENEGGIATURA: Angelo Carbone, Vincenzo Marra ATTORI: Riccardo Scamarcio, Daniela Ramirez, Gianni Pezzolla, Luis Gnecco, Alejandro Goic PAESE: Italia DURATA: 108 Min
Trama
Martina
(Daniela Ramirez) non ne può più. Sente che la sua storia con Marco
(Riccardo Scamarcio, bravo) ormai è finita e vive con disagio la
lontananza della terra natia: desidera solamente poter tornare a “casa”
sua. Ma l’America Latina è lontana e a Bari, da ormai sette anni, oltre a
Marco c’è anche Mateo (Gianni Pezzolla), bambino amato da entrambi i
genitori che, inevitabilmente, soffre la situazione di crisi che si è
venuta a creare. Martina però è decisa e, senza il consenso del
compagno, approfittando di un suo viaggio di lavoro, prende Mateo e
scappa oltreoceano. Un giorno, due, cinque, dieci: nessuna notizia.
Marco, avvocato cinico e rampante, non può più aspettare, e tenta
l’ultima carta: partire anche lui alla volta del Cile per tentare di
ritrovare suo figlio.
Recensione
Tema di drammatica attualità quello affrontato da Vincenzo Marra nel suo nuovo film, La prima luce, ospitato alle Giornate degli Autori di Venezia72: le storie dei “figli contesi”
riempiono ormai da tempo anche le pagine dei quotidiani. Terreno
scivoloso e delicato, difficile da calpestare in termini emotivi e
giuridici, arduo e complesso da percorrere anche nel momento in cui si
decide di “romanzarlo” per portarlo sul grande schermo. Ebbene Marra,
forte di una sensibilità non nuova, che ormai da tempo contraddistingue
la sua cifra stilistica, riesce nella non facile traduzione, realizzando
un film tanto doloroso quanto dignitoso: nessun
ricorso a scene madri o facili pietismi, piuttosto la volontà di
tratteggiare con un sussurro, dei silenzi, due parole, qualche
abbraccio, il carattere e la psicologia dei suoi personaggi.
Entrambi innocenti e al tempo stesso colpevoli, Martina e Marco sono facce di un’unica medaglia: non a caso, l’ambientazione
del film è chirurgicamente divisa in due, proprio a sottolineare la
difficoltà e il disagio provato prima da una, poi dall’altro, in luoghi
non sentiti come propri.
Il mare primaverile della Puglia, il freddo dell’inverno ai piedi delle
Ande: in mezzo c’è il sentimento non variabile del piccolo Mateo. Che
dovrebbe essere salvaguardato a prescindere dagli egoismi di uno o
dell’altro genitore. via
GENERE: Biografico, Drammatico, Thriller ANNO: 2014 REGIA: Michael Cuesta SCENEGGIATURA: Peter Landesman ATTORI: Jeremy Renner, Paz Vega, Michael Sheen, Ray Liotta, Andy Garcia, Mary Elizabeth Winstead, Robert Patrick, Michael K. Williams, Barry Pepper, Oliver Platt, Rosemarie DeWitt FOTOGRAFIA: Sean Bobbitt PAESE: USA DURATA: 112 Min
Gary Webb
è un reporter di talento che lavora per un giornale di provincia.
Intraprendente, drogato di lavoro e sempre alla ricerca dello scoop,
Webb mette le mani su una storia di narcotraffico che si trasformerà
nello scandalo CIA-Contras e nella rovina della sua carriera e vita.
Il miglior cinema d’inchiesta una volta lo facevamo noi, ma di Petri,
Rosi e Montaldo non ne nascono spesso, nonostante la materia prima non
manchi dalle nostre parti. Lo stesso vale per gli Stati Uniti, che ha
una tradizione altrettanto radicata, soprattutto quando a essere
coinvolta è la stampa. La regola del gioco racconta in buona forma una delle pagine
più nere della recente storia americana, facendo anche un’interessante
digressione sul confine sottile tra verità e menzogna e notizia e
informazione, due cose queste ultime che non sempre coincidono.
Quest’ambiguità di fondo rende il film ancora più intrigante e Michael Cuesta, regista che in televisione con Dexter e Homeland
ha ben gestito questi temi, mantiene un ottimo equilibrio fino alla
fine. Merito anche di un eccellente Jeremy Renner, attore notevole che
si sta meritatamente ritagliando uno spazio importante nella Hollywood
di oggi. Alessandro De Simone
GENERE: Drammatico ANNO: 2015 REGIA: Giuseppe M. Gaudino SCENEGGIATURA: Giuseppe M. Gaudino, Isabella Sandri, Lina Sarti ATTORI: Valeria Golino, Massimiliano Gallo, Adriano Giannini PRODUZIONE: Buena Onda, Eskimo, Figli del Bronx, Gaudri, Bea Production Company, Minerva Pictures Group, con Rai Cinema DISTRIBUZIONE: Officine UBU PAESE: Francia, Italia DURATA: 110 Min
Trama
Anna è stata una bambina spavalda e coraggiosa. Oggi è una donna che
vive nella sua Napoli e che da vent'anni ha smesso di vedere quel che
davvero accade nella sua famiglia, preferendo non prendere posizione,
sospesa tra Bene e Male. Per amore dei tre figli e della famiglia, ha
lasciato che la sua vita si spegnesse, lentamente. Fino a convincersi di
essere una "cosa da niente". La sua vita è così grigia che non vede più
i colori, benché sul lavoro - fa la "suggeritrice" in uno studio
televisivo - sia apprezzata e amata, e questo la riempia di orgoglio.
Anna ha doti innate nell'aiutare gli altri, ma non le adopera per se
stessa. Non trova mai le parole né l'occasione per darsi aiuto.
Recensione
Giuseppe M. Gaudino realizza con Per amor vostro il suo film
più ambizioso perché la 'storia' che racconta si vuole allargare a uno
sguardo che coinvolga non solo coloro che agiscono al suo interno ma si
applichi alla complessa città in cui si dipana, alla sua storia, alla
sua cultura ancestrale. Perché Anna, con le sue incertezze e la sua
caparbietà, la sua incommensurabile generosità e il suo bisogno di
essere compresa e di avere qualcosa che sia solo per sé è in fondo la
summa della coscienza profonda della città che attraversa con il suo
passo nervoso e una vita in bianco e nero pronta a colorarsi nei momenti
topici in cui la sua anima si sente più fragile.
Anna è Napoli, capace di fingere di non vedere (per quieto vivere) il
marciume morale che la circonda e che rischia di sommergerla ma anche
capace di serietà, di slanci, di disponibilità al sacrificio e bisognosa
di una comprensione difficile da trovare. Gaudino affida alle poderose
spalle interpretative di Valeria Golino le innumerevoli sfaccettature di
una persona che si fa presente/passato e forse anche futuro e ne viene
ripagato quasi che il nome di finzione che le attribuisce volesse, più o
meno inconsciamente, far correre il pensiero a una 'grande' del cinema
come Anna Magnani.
Se la colonna sonora musicale riesce a far confluire in un magma di
suoni e di stili (si va dal Quartetto Cetra al "Lascia ch'io pianga" di
Handel passando per affabulazioni ritmate in un napoletano quasi da
cantastorie) il rapporto tra gli inferi urbani e un cielo che a tratti
si fa quasi più ctonio degli inferi stessi, la messa in parallelo della
vita quotidiana della protagonista e il mondo 'della' e 'da' soap opera
in cui lavora e si innamora suona un po' didascalico. Ma quando si ha a
disposizione una 'vera' attrice anche questo ostacolo può essere
superato. Giancarlo Zappoli
Bosnia, 1988. Un gruppo di cacciatori trova nel bosco un bambino
cresciuto in mezzo ai lupi, dei quali ha adottato le sembianze e lo
stile di vita: non parla, non cammina, ringhia e morde chiunque lo
avvicini. Il bambino, chiamato Haris, viene spedito in un orfanotrofio
di Belgrado, dove inizialmente rifiuta ogni contatto e ogni forma di
educazione, poi, grazie alla presenza di un assistente sociale e
all'amicizia con Zika, un ragazzo più grande, esce gradualmente dallo
stato animale per ricongiungersi con la propria natura umana. Ma il
percorso di umanizzazione del bambino non è necessariamente evolutivo,
né garantisce ad Haris una vita migliore di quella vissuta in mezzo ai
lupi.
Il paragone fra No One's Child, opera prima vincitrice del
Premio del pubblico alla Settimana della Critica e del premio FIPRESCI
alla Mostra del cinema di Venezia, e Il ragazzo selvaggio di Francois Truffaut
è immediato e inevitabile. Ma il regista serbo Vuk Ršumovic, basandosi
su una storia vera, cala il piccolo protagonista nella contemporaneità,
introducendo elementi sociopolitici che fanno un'enorme differenza nello
sviluppo della storia, ad esempio l'insorgere dei nazionalismi che
sarebbero sfociati nella guerra del 1992 (folgorante il momento in cui
Haris scopre di essere bosniaco perché un gruppo di ragazzi serbi lo
apostrofa come "sporco mussulmano").
In realtà il paragone necessario è con un altro film di Truffaut, I quattrocento colpi,
non solo per lo sguardo desolato del piccolo protagonista, che anche
fisicamente assomiglia al giovanissimo Antoine Doinel, ma soprattutto
perché la storia è raccontata all'altezza di quello sguardo,
inizialmente orizzontale, poiché Haris non ha ancora conquistato la
posizione eretta, e via via sempre più verticale, ma di una verticalità
distorta e fuorviante, perché distorto e fuorviante è il mondo che
circonda il ragazzino. Un mondo fatto di gambe senza volto
(l'inquadratura delle due ragazzine dal fondo di un sottoscala è un
riferimento al Truffaut di Finalmente domenica!, che a sua volta citava L'uomo che amava le donne) e di voci senza corpo, come nella scena del colloquio con la psicologa de I quattrocento colpi.
Ršumovic riesce tuttavia a ritagliarsi un'originalità di stile grazie ad
una fotografia nitida ed essenziale priva di qualsiasi sentimentalismo o
di qualsiasi afflato romantico "alla Truffaut", e incastona il percorso
di Haris in ambienti che paiono quinte teatrali: le stanze
dell'orfanotrofio, i vicoli di una Belgrado sordida e allucinata, il
cortile degradato e pieno di insidie. La cinepresa di Ršumovic racconta
l'assurdità dell'odissea di Haris come coincidente con l'assurdità del
conflitto nell'ex Jugoslavia, la cui devastazione identitaria rispecchia
e amplifica quella del "ragazzo selvaggio". E tuttavia trova la
bellezza anche nello squallore dell'esistenza del bambino perché ne è
affamata quanto lui.
Malgrado No One's Child sia il film di Haris (e dello
straordinario Denis Muric che lo interpreta), ogni personaggio di
contorno ha il suo momento, e la scelta degli attori è straordinaria:
profondamente attraenti senza esserlo in modo "cinematografico",
perfettamente "in parte" nella recitazione essenziale richiesta dalla
storia. No One's Child è un debutto cinematografico di grande maturità e
purezza etica ed estetica, un racconto in tre atti quasi muto che
utilizza la luce e l'ombra come potenti strumenti narrativi, una
struttura perfettamente circolare che inizia e finisce con uno sparo e
si articola intorno a un paio di scarpe: quelle che Haris rifiuta,
accetta, scambia e di nuovo rifiuta, come maschere sempre inadeguate a
definire il suo ruolo nel mondo.
News: il Cinema Marconi da questa stagione è aperto anche il giovedì! giovedì 24_09 ore 21.15 venerdì 25_09 ore 21.15 sabato 26_09 ore 21.15 domenica 27_09 ore 18.00 e 21.15
GENERE: Drammatico
ANNO: 2015
REGIA: Jonathan Demme
SCENEGGIATURA: Diablo Cody
ATTORI: Meryl Streep, Kevin Kline, Mamie Gummer, Rick Springfield, Sebastian Stan, Audra McDonald, Doris McCarthy, Charlotte Rae
FOTOGRAFIA: Declan Quinn
PAESE: USA
DURATA: 101 Min
Trama
Rick è la front woman di una band rock che entusiasma un non foltissimo
pubblico di appassionati. Non è più giovanissima e ha lasciato da molti
anni il marito e i tre figli per inseguire il suo sogno musicale. La
brusca rottura del matrimonio della figlia Julie la spinge a 'tornare a
casa'cioè a raggiungere l'ex marito che vive con la nuova compagna in
una lussuosa villa. L'incontro con l'ormai cresciuta prole avrà luci ed
ombre.
Recensione
Sicuramente Jonathan Demme sarà rimasto affascinato dallo script di Diablo Cody (ricordate Juno?) per la possibilità che gli forniva di tornare a tradurre la musica in immagini. Lo aveva fatto in passato con i Talking Head e con Neil Young
perché non riprovarci ancora mutando però il livello di lettura
passando dal documentario alla fiction? Da grande regista qual è deve
avere anche intuito immediatamente che la storia di base era di quelle
già viste innumerevoli volte sul grande schermo: un genitore che ha
lasciato la famiglia ed è costretto dalle circostanze a farvi ritorno
portandosi dietro tutte i propri buoni diritti ma anche una montagna di
sensi di colpa. Ma Demme sapeva che anche i copioni più deja vu, se
hanno dentro un fondo di verità, possono funzionare se affidati a
un'interprete che sappia fare emergere quella verità. L'ha trovata in
Meryl Streep e anche qui si potrebbe cadere nel risaputo perché si sono
sprecati fiumi di parole nel corso dei decenni per dire quanto è brava
Meryl Streep e si finisce con il doverlo ripetere per l'ennesima volta.
Perché la Streep che suona e canta davvero non si limita a questo tipo
di performance passando dal country dell'altmaniano Radio America
al rock carico di energia della sua band, ma fa molto di più. Offre a
questa madre tutto il carico degli anni e dei sentimenti provati, le
regala sensi di colpa ma anche di orgoglio, insinua nei suoi gesti
quella che altri pensano sia volgarità e che per lei non è un
atteggiamento ma un modo di essere. Demme le consente anche di lavorare
su un piano che mescola finzione e realtà ponendola di fronte al
tormentato personaggio di Julie che è interpretato da Mamie Gummer che è
figlia di Meryl e ha seguito le sue orme.
In tutto questo Demme non dimentica la propria dimensione 'politica' e non si lascia alle spalle film come Philadelphia o documentari come The Agronomist o Man from Plains.
Porta così sullo schermo una Rick che ha votato due volte per George W.
Bush, che non pronuncia neppure il nome di Obama e che di fronte al
figlio gay non ha un atteggiamento iniziale di comprensione. Rick sta
dall'altra parte rispetto a ciò che pensa Demme ma questo non impedisce
di fare emergere passo dopo passo, ruga dopo ruga, un senso di umanità
profonda in cui errori e capacità di riconoscerli finiscono con il
coesistere. Perché come diceva Giorgio Gaber (per rimanere sempre in
ambito musicale) "L'uomo è quasi sempre meglio rispetto alla propria
ideologia". Giancarlo Zappoli
GENERE: Sentimentale ANNO: 2015 REGIA: Jake Schreier SCENEGGIATURA: Scott Neustadter, Michael H. Weber ATTORI: Cara Delevingne, Nat Wolff, Halston Sage, Cara Buono, Austin Abrams, Meg Crosbie, Caitlin Carver FOTOGRAFIA: David Lanzenberg MONTAGGIO: Jacob Craycroft PAESE: USA DURATA: 109 Min
Trama
Tratto dal romanzo bestseller di John Green ("Colpa delle Stelle"),
Città di carta è la storia di Quentin e della sua enigmatica vicina di
casa Margo, amante del mistero al punto da diventarlo lei stessa. Dopo
averlo trascinato in un'unica notte di avventure in giro per la città,
Margo scompare improvvisamente lasciando degli indizi che Quentin dovrà
decifrare. La ricerca porterà Quentin e i suoi amici attraverso
un'avventura che sarà al tempo stesso commovente e divertente. Infine,
sulle tracce di Margo, Quentin troverà la consapevolezza del significato
di vera amicizia e vero amore.
Il Cinema Marconi riapre dopo la pausa estiva! mercoledì 16_09 ore 18.00 e 21.15 giovedì 17_09 ore 18.00 e 21.15
GENERE: Biografico, Documentario, Musicale
ANNO: 2015
REGIA: Asif Kapadia
ATTORI: Amy Winehouse
PRODUZIONE: Krishwerkz Entertainment, Playmaker Films, Universal Music
PAESE: Gran Bretagna
DURATA: 90 Min
BIGLIETTO: Intero € 12. Ridotto € 10 (per prenotati alla mail cinema.marconi@gmail.com). Aperte le prenotazioni.
Trama
C'era una volta Amy Winehouse, star della musica, jazz singer del
calibro di Ella Fitzgerald e Billie Holiday, morta di arresto cardiaco a
27 anni, nella sua casa di Londra, provata nel corpo minuto
dall'eccesso di alcol e droga, forse proprio mentre ne stava venendo
fuori. E c'era una volta Amy, prima del cognome, prima del successo,
prima del dimagrimento eccessivo, della vertigine romantica e della
perdita di sé, appunto.
Recensione
Asif Kapadia va indietro nel tempo a recuperare la ragazzina in carne
che fa le boccacce nei video fatti in casa e non ha ancora avuto l'idea
di cotonarsi i capelli, tanto meno di cantare per professione. La segue,
attraverso il materiale di repertorio privatissimo, amicale, mentre
scopre il suo dono e il piacere di cantare per un pubblico raccolto, a
cui raccontare le proprie esperienze in musica. Quel piacere resterà
sempre tale ma diverrà una chimera, un sogno impossibile, man mano che
le platee dei suoi concerti si allargano a dismisura, le copie vendute
non si contano più, la macchina della finanza gira ad alti livelli e
pretende il prezzo del carburante.
Il documentario procede in ordine cronologico, apparentemente non
dissimile da un lungo servizio televisivo, di quelli che ricapitolano le
parabole biografiche delle glorie del rock, finendo magari per
spruzzare del mistero sulla morte, ribadendo l'enormità del talento
sprecato, di chiunque si stia parlando. Ma il film di Kapadia non cerca
il mistero né ribadisce alcunché. Lascia che sia un mostro sacro come
Tony Bennet a spendere le lodi più alte di Amy Winehouse, le uniche, in
fondo, e le sole di cui lei sarebbe stata orgogliosa. E non è certo la
delicatezza che lo guida: al contrario, il film non risparmia nulla al
suo soggetto, nemmeno la fotografia del cadavere, però non lascia il
contatto coi fatti, rifiuta i voli pindarici, dà voce all'ipotesi
psicologica solo laddove è l'interessata stessa a formularla ("I can't
help but demonstrate my Freudian fate ..."). Del resto, la
sciacallaggine del padre e del fidanzato, l'influenza positiva ma troppo
debole delle amiche e del primo manager, e l'assenza della madre,
parlano da sole.
Non è un film artisticamente rilevante, Amy, non è il primo
dietro le quinte della sua storia né sarà l'ultimo, però ha alcune
qualità speciali. Pur mostrando ciò che la protagonista non ha scelto di
mostrare, non dà l'impressione di violare una soglia dolente, come
accade in Cobain: Montage of Heck, il recente ritratto dell'autocombustione di Kurt Cobain.
Perché Amy Winehouse era probabilmente superiore alla propria immagine
struccata e alle inquadrature impietose; la sua debolezza era un'altra,
era la coppia, e lì dentro Kapadia non scava, non sgomita, ancora una
volta è Blake Fielder-Civil a dare il peggio di sé, e a farlo da solo.
L'altro motivo d'interesse sta nell'accento posto sulle parole delle
canzoni, associate al suo vissuto, stavolta proprio come nel film di Brett Morgen,
con un effetto ancora più trasparente, perché le sue canzoni parlavano
ancora più chiaro, con la loro grafia giovane ma il vocabolario scelto.
Sarà anche impietoso, ma il ritratto che esce da Amy è quello
di una piccola grande donna, con un dono unico, a cui la vita avrebbe
insegnato a vivere, per dirla con Tony Bennet, se solo il suo fisico
gliene avesse lasciato il tempo.
Marianna Cappi
sab 23_5 ore 21.15 dom 24_5 ore 18.00 e 21.00 sab 30_5 ore 21.15 dom 31_5 ore 18.00 e 21.00
GENERE: Drammatico
ANNO: 2015
REGIA: Paolo Sorrentino
SCENEGGIATURA: Paolo Sorrentino
ATTORI: Michael Caine, Rachel Weisz, Jane Fonda, Harvey Keitel, Paul Dano
PAESE: Svizzera, Gran Bretagna, Italia
DURATA: 119 Mi
Trama
In un elegante albergo ai piedi delle Alpi Fred e Mick,
due vecchi amici alla soglia degli ottant'anni, trascorrono insieme una
vacanza primaverile.
Fred è un compositore e direttore d'orchestra in pensione, Mick un
regista ancora in attività. Sanno che il loro futuro si va velocemente
esaurendo e decidono di affrontarlo insieme.
Guardano con curiosità e tenerezza alla vita confusa dei propri figli,
all'entusiasmo dei giovani collaboratori di Mick, agli altri ospiti
dell'albergo, a quanti sembrano poter disporre di un tempo che a loro
non è dato. E mentre Mick si affanna nel tentativo di concludere la
sceneggiatura di quello che pensa sarà il suo ultimo e più significativo
film, Fred, che da tempo ha rinunciato alla musica, non intende
assolutamente tornare sui propri passi. Ma c'è chi vuole a tutti i costi
vederlo dirigere ancora una volta e ascoltare le sue composizioni.
ven 22_5 ore 21.15 GENERE: Commedia, Drammatico, Storico ANNO: 2015 REGIA: Paolo Taviani, Vittorio Taviani SCENEGGIATURA: Paolo Taviani, Vittorio Taviani ATTORI: Kasia Smutniak, Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Vittoria Puccini, Rosabell Laurenti Sellers, Kim Rossi Stuart, Carolina Crescentini, Paola Cortellesi, Flavio Parenti, Michele Riondino, Miriam Dalmazio, Lello Arena, Eugenia Costantini, Fabrizio Falco, Ilaria Giachi, Josafat Vagni, Niccolò Calvagna PAESE: Francia, Italia DURATA: 120 Min
Trama
Lo sfondo è quello della Firenze trecentesca colpita dalla peste, che
spinge dieci giovani a rifugiarsi in campagna e a impiegare il tempo
raccontandosi delle brevi storie. Drammatiche o argute, erotiche o
grottesche, tutte le novelle hanno in realtà un unico, grande
protagonista: l'amore, nelle sue innumerevoli sfumature. Sarà proprio
l'amore a diventare per tutti il migliore antidoto contro le sofferenze e
le incertezze di un'epoca.
GENERE: Commedia
ANNO: 2015
REGIA: Alessandro Genovesi
SCENEGGIATURA: Alessandro Genovesi, Giovanni Bognetti, Claudio Torres
ATTORI: Claudio Bisio, Frank Matano, Valentina Lodovini, Ornella Vanoni, Renato Pozzetto, Chiara Baschetti
FOTOGRAFIA: Federico Masiero
PAESE: Italia
DURATA: 91 Min
Trama
Guido, milanese, professore di lettere in un liceo di Napoli, affabile e
simpatico, quanto prevedibile e monotono, è stato lasciato dalla sua
fidanzata napoletana che gli ha preferito un maschio alfa aitante,
avventuroso e straniero, ma del nord d'Europa. Guido, quindi, rimane
solo a fronteggiare la crisi, malamente sostenuto dall'amicizia tenue e
non-sense di un suo ex alunno, diventato professore di ginnastica
(esemplificazione plastica del suo fallimento professionale). Cerca
conforto in cene su misura, ma il suo pensiero ossessivo ha un solo
scopo: vendicarsi della sua ex. Ogni tentativo è vano, non solo perché
goffo. Sprofondato nel tipico algoritmo del single di mezza età
senz'arte né parte, Guido apre inconsapevole le porte della sua
percezione emotiva, il giorno in cui la nuova vicina bussa per un po' di
zucchero. È bella, giovane, disponibile, tifosa, sensibile... insomma
perfetta, la donna ideale. Il suo nome è Silvia. Gli studi letterari non
gli vengono in soccorso a Guido non riconosce negli occhi ridenti e
fuggitivi e nella personalità lieta e pensosa una Silvia del tutto
ideale (certo calibrata sull'immaginario di un maschio italiano di oggi,
tra Milan e Van Gogh, lingerie e buona cucina). Scoppia l'amore e
accade che dalle stanze segrete di un amore perfetto, la coppia si
riversi per le strade di una Napoli iper-realistica, città abituata a
creder possibile l'impossibile, ma pazzo un uomo che parla da solo al
tavolo per due di una pizzeria del posto. Il suo unico amico, l'ex
studente con la tuta da ginnastica, lo scopre e allerta i genitori
(Ornella Vanoni e Bruno Pozzetto) che da Milano vanno in missione per
stanare il figlio e la sua ossessione.
Recensione
Con il ritmo da industria della commedia italiana del periodo d'oro,
Alessandro Genovesi torna in sala a distanza di pochi mesi dalla "sua" Soap Opera
(rappresentazione corale di un mondo artificiale da stabilimento
cinematografico) con una commedia sentimentale, remake napoletano di un
film brasiliano, A Mulher Invisivel, campione d'incassi. La
commedia delle "seconde nozze", o del ri-matrimonio, che fu cara alla
Hollywood degli anni Trenta e Quaranta, e che aveva riflettuto sui
rapporti di coppia, sulla donna nuova, sulla differenza dei sessi,
sembra qui riaversi ma in una versione casereccia e nostrana, non senza
alcune punte acuminate, almeno per chi ne sa saggiare lo spessore.
Senza pretese eccessive, in una confezione ben controllata e di gusto, forse meno "autoriale" della più sperimentale Soap Opera,
Genovesi intesse la sua tela disegnando un modo suo e originale,
tutt'altro che banale, capace di insinuarsi nelle maglie della commedia
portandola un po' più in là di quel che l'industria italiana oggi vuole e
riesce a fare. Ci piace di Genovesi, oltre a una scrittura ben
calibrata e alla capacità di far ben figurare i nostri attori (anche
quando molto televisivi), quella sua visionarietà un po' fumettistica,
garbatamente artefatta, iper-realistica ma non grottesca, moderatamente
inverosimile. La Napoli di questa Sorpresa è così, un po' immaginaria, ma mai troppo folcloristica, con qualche ammiccamento semmai a De Filippo e alla Loren.
Dario Zonta
C’era una volta, Dio. E vissero tutti felici e contenti.
Addio, Padre Nostro. A mai più rivederci, esseri celesti. Se non vi
vediamo, non vi crediamo. Abbiamo deciso di vivere come se non ci foste.
Nonostante questo… milioni di persone continuano a parlare con Gesù
Cristo, che chiamano “Fratello”. E con la Vergine Maria, che chiamano
“Madre”. Credono che siamo tutti figli di Dio e quindi lo chiamano
“Padre”.
L’Avvocato del Diavolo riceve una nuova missione: interrogare, senza
paura, chi confida ancora nelle ricette del Cielo. Sono dei truffatori? O
dei truffati? Se scoprirà che le loro convinzioni sono false,
continueremo come abbiamo fatto finora. Ma… se non fosse una favola?
ven 8_5 ore 21.15 sab 9_5 ore 21.15 dom 10_5 ore 18.00 e 21.00
GENERE: Commedia ANNO: 2014 REGIA: Olivier Nakache, Eric Toledano ATTORI: Omar Sy, Charlotte Gainsbourg, Tahar Rahim, Issaka Sawadogo, Hélène Vincent, Christiane Millet, Jacqueline Jehanneuf, Liya Kebede
FOTOGRAFIA: Stéphane Fontaine MUSICHE: Ludovico Einaudi PAESE: Francia DURATA: 116 Min
Trama
Samba Cissé è senegalese e costretto da dieci anni in un centro di
accoglienza alle porte di Parigi. In attesa di un permesso di soggiorno e
incalzato dalla paura di essere espulso dalla Francia, Samba si rivolge
a un'associazione che si occupa di questioni giuridiche legate
all'immigrazione. L'associazione si prende a cuore il suo caso nella
persona di Alice, una giovane donna borghese in congedo lavorativo.
Affetta da sindrome da stress, Alice sembra trovare in Samba un rifugio e
una ragione per uscire dall'impasse. Allo stesso modo Samba è
convinto che Alice sia la chiave per regolarizzare la sua posizione
sociale. Tra espedienti, mestieri, sotterfugi, baci rubati, fughe ai
controlli e costante reinvenzione della sua identità, Samba troverà il
suo posto nel mondo e nel cuore di Alice.
Recensione
Quattro anni dopo lo straordinario successo di Quasi amici, Olivier Nakache e Éric Toledano realizzano Samba,
una commedia sociale che racconta in fondo la stessa storia, quella di
un borghese, offeso dall'handicap ieri e dalla depressione oggi, che
ritrova senso ed entusiasmo a fianco di un indigente nero. Se Omar Sy
interpreta una volta ancora il ruolo 'proletario', Charlotte Gainsbourg
subentra a François Cluzet
e incarna una donna d'affari riconciliata allo stesso modo con la vita
dopo un giro di valzer esotico. A cambiare sono le modalità con cui la
coppia Nakache-Toledano raggiunge il risultato. Se in Quasi amici la 'cura' veniva retribuita e passava attraverso "l'educazione" di Driss, in Samba i due protagonisti si prendono mutualmente cura l'uno dell'altro.
I registi correggono il tiro e bilanciano allora la loro commedia
popolare con l'ingresso leggero di Charlotte Gainsbourg, che combatte la
malinconia con ironia lunare, quello pesante dei clandestini, che
testimonia la volontà di affrontare la società francese in maniera
diretta, quello (est)etico del documentario, con cui i registi
approcciano il loro soggetto.
Film ambizioso, Samba va oltre Quasi amici
e getta la maschera, rivelando finalmente la visione utilitaristica
delle relazioni umane. C'è un disprezzo di classe, un solipsismo che
resiste in Alice e allo stesso modo c'é un'opacità e un egoismo che si
rivela in Samba, lucido sui benefici che gli deriverebbero frequentando
una bobo francese e disinvolto nel tradire un amico che
diventerà nemico, insinuando nel film la dimensione tragica. Questa
convenienza cinica, questa morale individualista sono la vera sorpresa
di Samba, un feel-good movie dal cuore 'nero' affondato nella Senna.
A ridimensionare il protocollo ecumenico di Nakache e Toledano provvede
anche l'interpretazione di Omar Sy, che questa volta nel suo incontro
con l'altro non si accontenta della carica di 'buffone terapeutico' e
rimanda l'ottimismo all'irrealtà. Ispirato da un romanzo di Delphine Coulin ("Samba pour la France"), Samba
è una commedia che fin dal principio passa per luoghi inconciliabili:
un palazzo nel centro di Parigi e un centro di accoglienza ubicato lungo
le piste dell'aeroporto Charles de Gaulle. Inconciliabilità che
rammenta che la visione esilarante e concorde tra classi, esibita in Quasi amici, nasce in una realtà differente che Samba guarda finalmente in faccia.
Marzia Gandolfi
ven 1_5 ore 21.15 sab 2_5 ore 21.15 dom 3_5 ore 18.00 e 21.00
GENERE: Drammatico ANNO: 2015 REGIA: Nanni Moretti SCENEGGIATURA: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella ATTORI: Margherita Buy, John Turturro, Giulia Lazzarini, Nanni Moretti, Stefano Abbati, Beatrice Mancini, Enrico Ianniello, Anna Bellato, Toni Laudadio, Pietro Ragusa, Tatiana Lepore, Lorenzo Gioielli PAESE: Italia DURATA: 106 Min
Trama
Margherita sta girando un film impegnato sulla crisi economica italiana
dove si racconta lo scontro tra gli operai di una fabbrica e la nuova
proprietà americana che promette tagli e licenziamenti. Oltre a dover
gestire la complessità del set corale di un film politico, deve fare i
conti con le bizze della star italo-americana che ha scelto per
interpretare il ruolo del nuovo proprietario; un attore in crisi,
ostaggio della sua maschera di divo, qui esasperata dal provincialismo
del cinema italiano.
Margherita è separata, ha una figlia adolescente che frequenta
malvolentieri il liceo classico in ossequio alla tradizione famigliare
impressa dalla nonna (insegnante di latino e greco), ha un amante,
attore nel film impegnato, mollato all'inizio delle riprese, e una vita
confusa, solitaria e complicata. La concentrazione, richiesta per girare
un film così difficile, tutto spostato verso il lato pubblico e
politico, è minacciata dalle istanze del privato e dall'ombra sempre più
densa della possibile morte della madre che la costringe a un confronto
difficile e doloroso, soprattutto con se stessa e con il fratello
Giovanni, un ingegnere posato che si è preso un periodo di aspettativa
dal lavoro per accudire la madre malata di cuore, ricoverata con poche
speranze in un ospedale della capitale. Recensione Mia madre è un film profondo e sincero, tanto da essere quasi crudele per il lavoro che compie di scavo ineluttabile e autentico.
Non è il primo film in cui Moretti "mette a nudo" se stesso nel
confronto con in suoi alter-ego cinematografici. Lo ha sempre fatto. Ma
la natura di questo dialogo ha da qualche tempo assunto una qualità
diversa. È come se avesse avuto bisogno di liberarsi della sua stessa
maschera per guardarsi in faccia. E non è un caso che questo gesto
coincida con il graduale mettersi da parte dell'attore/regista a favore
di altri sembianti, figure, personaggi, attori. Moretti ha dovuto non
coincidere con la propria immagine per avviare un confronto con se
stesso. L'ha iniziato a fare con il Caimano e con Habemus Papam.
Ma lì la crisi e le domande (pubbliche e private) venivano assunte da
figure "politiche", mentre ora il confronto è con il ruolo del regista
nell'esercizio della sua funzione di direzione. Ecco, Moretti non ha
cercato scappatoie, vie di fuga, facili "neologismi". È andato diretto
al punto.
Ad aumentare la complessità di un film ricco di suggestioni
psicoanalitiche e di elementi autobiografici, c'è la scelta di trovare
se stessi nel corpo di una donna. Margherita (Buy), alter-ego di
Moretti, non si trasforma mai nell'icona dell'Apicella che fu. In questo
senso, lui e lei riescono in qualcosa di molto difficile: confondersi
l'uno nell'altra, dando vita a un genio complesso e originale.
A parte qualche piccola tentazione, dove è più evidente lo scambio di
ruoli, la Margherita del film è una figura autonoma, la cui sensibilità e
intelligenza non è eterodiretta. E lo stesso Moretti (che interpreta il
fratello Giovanni) vive in uno spazio riservato, metabolizzando
l'imminente morte della madre con una riservatezza commovente e laica,
lasciando alla sorella il primo piano di una crisi mai esasperata, ma
appunto profonda e complessa.
Ma c'è tanto di più in questo film così stratificato, solo in apparenza
intimista. Intorno al nucleo di un dolore privato, Moretti con i suoi
sceneggiatori e sceneggiatrici erige un edificio fatto di diversi piani,
ognuno dei quali sviluppa un discorso, un tema, una riflessione. Mia madre quindi è anche un film sul cinema, sul rapporto tra realtà e finzione.
La prima scena è uno scontro tra manifestanti operai e poliziotti. Per
come è stata girata, prim'ancora di scoprire il film nel film, si
intuisce che c'è puzza di "finzione", ma nel senso (potremmo dire tutto
italiano) di fasullo: le botte dei poliziotti non sono così realistiche,
l'azione dei manifestanti appare improbabile, l'azione è povera... non è
solo una sensazione, presto qualcuno grida "stop" e inizia a lamentare
la povertà della scena. È Margherita al centro del suo set che inizia a
mietere dubbi nei suoi collaboratori, facendosene carico lei stessa.
Parlando al direttore della fotografia che aveva posizionato la camera
dentro alla mischia riproducendo un senso di realismo brutale e
spettacolare, Margherita esprime il suo dubbio etico: "ma tu stai con i
poliziotti o con i manifestanti"? Domande che pochi si fanno, ormai, ma
che Moretti continua a fare e non è un caso che le sequenze del film nel
film, il racconto della protesta degli operai, siano così maldestre,
improbabili, finte (Moretti infatti non girerebbe mai un film così).
Ma c'è dell'altro, se volessimo andare a fondo. La dimensione politica e
pubblica, la lotta degli operai, la crisi economica così come
s'affacciano nel film sembrano aver perso ogni urgenza e necessità. Non
interessa a nessuno della sorte degli operai. In questo senso Mia madre è
un film che racconta una stanchezza e una inadeguatezza. L'ingegnere
Giovanni (interpretato da Moretti) si è messo in aspettativa per poi
dare le dimissioni e la regista Margherita gira il suo film politico
senza troppa convinzione, come fosse un dovere, con una certa stanchezza
e sfiducia verso il mezzo stesso, verso la finzione. Margherita, come
il suo divo americano dopo l'ennesima notte di ciak andati male, vuole
tornare alla realtà, che si quella tangibile del privato e qualcosa
d'altro in via di definizione.
In questo senso il film è di una cupezza esemplare, quasi senza scampo,
perché attraverso l'alter-ego, ci dice che il suo autore non riesce più a
credere che iquel cinema (il suo? quello italiano? quello di finzione?)
sia il modo più efficace per raccontare il presente politico e sociale.
Non per questo, sia ben chiaro, bisogna intendere Mia madre
come un'opera che si rifugia nell'intimismo e nel privato. Anzi proprio
nell'attivare questa dialettica così stringente tra individuo e società,
privato e pubblico, personale e politico, attore e regista, uomo e
icona... il film s'appresta ad essere un manifesto del nostro tempo
complesso e problematico. Dario Zonta
GENERE: Commedia, Drammatico ANNO: 2014 REGIA: Eric Lartigau SCENEGGIATURA: Stanislas Carre' De Malberg ATTORI: Karin Viard, François Damiens, Eric Elmosnino, Roxane Duran, Louane Emera, Ilian Bergala, Mar Sodupe FOTOGRAFIA: Romain Winding MONTAGGIO: Jennifer Augé MUSICHE: Evgueni Galperine, Sacha Galperine PAESE: Francia DURATA: 106 Min
Trama
Paula Bélier ha sedici anni e da altrettanti è interprete e voce della
sua famiglia. Perché i Bélier, agricoltori della Normandia, sono sordi.
Paula, che intende e parla, è il loro ponte col mondo: il medico, il
veterinario, il sindaco e i clienti che al mercato acquistano i formaggi
prodotti dalla loro azienda. Paula, divisa tra lavoro e liceo, scopre a
scuola di avere una voce per andare lontano. Incoraggiata dal suo
professore di musica, si iscrive al concorso canoro indetto da Radio
France a Parigi. Indecisa sul da farsi, restare con la sua famiglia o
seguire la sua vocazione, Paula cerca in segreto un compromesso
impossibile. Ma con un talento esagerato e una famiglia (ir)ragionevole
niente è davvero perduto.
Recensione
Campione di incassi in Francia e nella stagione appena passata, La famiglia Bélier
è una commedia popolare che aggiorna con note e sorrisi il vecchio tema
dell'adolescente alla ricerca di un'identità stabile. Sospeso tra
focolare e autonomia, il nuovo film di Éric Lartigau 'riorganizza' una
famiglia esuberante intorno a un'età per sua natura fragile e scostante.
A incarnarla è il volto pieno e acerbo di Louane Emera, ex concorrente
dell'edizione francese di The Voice, che presta voce e
immediatezza a un personaggio in cerca di un posto nel mondo. Se
comicità e crisi si accomodano tra la rappresentazione genitoriale del
futuro filiale e la tensione allo svincolo della prole, i personaggi
vivono situazioni esilaranti, annullano lo scarto con l'amore e spiccano
il salto verso una condizione nuova. Appoggiato su una sceneggiatura
solida, che mescola con perfetta misura umorismo, lacrime, disfunzioni,
pregiudizi e canzoni, La famiglia Bélier svolge una storia ben
ordita in cui ciascun personaggio gioca la sua parte con effetto e
sincerità, senza mai sconfinare nel pathos. Precipitando lo spettatore
nel mondo 'smorzato' dei malentendants, Lartigau elude lo
sguardo (fastidioso) dei 'normali' sui disabili, mettendo in scena una
famiglia che quella difficoltà ha imparato a gestirla, intorno a quella
difficoltà è cresciuta e su quella difficoltà si è impratichita,
sentendo ogni movimento della vita. La famiglia Bélier non
emoziona perché è differente ma al contrario perché è universale, si
agita, si rimprovera e fa pace come tutte le famiglie del mondo. Chiusi
nella sordità e in una bolla di sicurezza familiare, i Bélier si fanno
sentire forte e chiaro attraverso la voce limpida di Paula e attraverso
il linguaggio marcato dei segni. Linguaggio che regista e attori
dimostrano di saper adottare con sensibilità dentro un film good movie alla francese, che 'canta' Michel Sardou. Celebre chanteur
parigino, ammirato dal professore appassionato e coinvolto di Éric
Elmosnino, Sardou è il tappeto musicale che 'accompagna' il ritratto di
una famiglia in un interno domestico e in un esterno bucolico, lontano
dalle città e dentro una Francia atemporale e irriducibile, che alla
techno preferisce la chanson française, al formaggio di soia
quello a latte crudo, alle hall degli aeroporti le piazze di paese. Per
preservare 'quella Francia' i Bélier sono addirittura disposti a
scendere politicamente in campo e a battersi 'a gran voce'. In tempi di
crisi, la commedia di Lartigau ripara nei valori di cui Paula è in fondo
portatrice sana. Perché il suo distacco dalle 'origini' è solo fisico,
mai totale e lirico come le parole 'segnate' di Sardou ("Je vole").
Parafrasando la canzone, Paula "non fugge, lei vola" verso spazi e tempi
di prova in cui prepararsi alla vita. Dentro una moltitudine di
diversità Éric Lartigau pesca quella irresoluta dell'adolescenza e di
un'adolescente che deve apprendere un 'linguaggio' nuovo ed
evidentemente altro e incoerente rispetto a quello familiare. Ispirato
al libro di Véronique Poulain ("Les Mots qu'on ne me dit pas"), La famiglia Bélier è abitato da un cast irresistibile, condotto da François Damiens e Karin Viard, genitori affatto 'sordi' a la maladie d'amour
e a quel fiume di note impetuose che cercano una melodia. Una melodia
che Paula legittima adesso con la sua voce (e le sue mani).
GENERE: Fantascienza, Thriller ANNO: 2015 REGIA: Gabe Ibáñez SCENEGGIATURA: Gabe Ibáñez, Igor Legarreta, Javier Sánchez Donate ATTORI: Antonio Banderas, Dylan McDermott, Melanie Griffith, Birgitte Hjort Sørensen, Robert Forster, Tim McInnerny, Andy Nyman PAESE: Bulgaria, Spagna DURATA: 109 Min
Trama
2044 la Terra sta andando verso la desertificazione e l'umanità lotta
per la sopravvivenza in un ambiente divenuto ostile. La razza umana
coesiste con i robot, creati per supportare la condizione di una società
in declino. L'agente assicurativo Jacq Vaucan (Antonio Banderas), che
lavora per una società di robotica, la Roc Robotics Corporation, indaga
su androidi difettosi. Durante una delle sue indagini scopre che alcuni
robot si sono evoluti, diventando una possibile minaccia per l'umanità.
